My Architect (2003)
Este filme, parece mais um documentário normal, uma clara tentativa de penetrar na essência de Louis Kahn através dos olhos de seu próprio filho. O filho de admiração tenta juntar as peças da arquitetura de seu pai através das palavras de seus amigos pessoais, colegas e amantes. Ele começa uma jornada para visitar os edifícios de seu pai, a fim de obter uma sensação de intimidade e um senso de compreensão com seu pai ausente.
As obras de arquitetura, construções intemporais ficam paradas no tempo, expressam intenções congeladas. Um edifício tem a capacidade de falar em nome de seu criador através de emoções escondidas no espaço para sempre. O espectador tem uma oportunidade única de descobrir a personalidade que Louis Kahn apresenta aos outros através de sua vida profissional e pessoal de arquiteto, de maneira cinematográfica dirigida por seu filho mais novo Nathaniel Kahn.
Quem é realmente Louis Kahn? Um nômade, um amante, um pai, um espiritualista e, sobretudo, um arquiteto, Louis Kahn sempre colocou o trabalho acima das relações humanas. De certa forma, ele ofereceu suas emoções, ideias e ideais através da arquitetura, para toda a humanidade. Embora ele tenha negligenciado sua família e amigos, sempre teve a grande figura da criação arquitetônica em mente.
Sua ligação com a espiritualidade, nada importa, a materialidade e a luz sempre vão permanecer vivas em suas criações arquitetônicas, presentes em todos os momentos para todos os seres humanos. O filme consegue enfrentar a vida secreta do gênio da arquitetura de uma maneira única e pessoal, através da viagem mais íntima de seu filho. Qualquer um que ame arquitetura deve tentar e seguir sua liderança nas catacumbas da vida e criações de Louis Kahn.
Play Time – Playtime: Tempo de Diversão (1967)
Jacques Tati, diretor do filme, introduz o universo modernista e futurista cheia de referências de Franz Kafka. O principal herói do filme é um flaner, semelhante ao tio em seu filme “Mon Oncle”. Um homem com um casaco, um guarda-chuva e um tubo vagando dentro de locais perfeitamente desenhados, espaços mínimos e modernistas de um futuro utópico.
Apesar da falta de um enredo específico, o espectador segue as aventuras de um homem bastante ingênuo que se perdeu no modernismo. Não há como escapar da moderna cidade futurista contemporânea, cheia de pessoas e veículos, cheio de becos sem saída e corredores caóticos. Embora os carros e os ocupantes do espaço permaneçam os mesmos, o ambiente cinematográfico construído é uma fantasia futurista de cinza, preto e branco, descrevendo uma cidade minimalista, incolor e sem alma de constante movimento.
O espectador é levado para um passeio pelo entorno de uma Paris futurística, cidade do monumento arquitetônico e único remanescente da história, a Torre Eiffel. Um exagero óbvio a todos os elementos arquitetônicos do modernismo, em um mundo onde a forma e função assumem a liderança sobre a identidade espacial.
O diretor oferece uma vasta gama de imagens e espaços que são esteticamente adequados o suficiente para hipnotizar o espectador e absorvê-lo a partir da ausência de qualquer história de fundo. Estas séries de imagens cuidadosamente pensadas retratam os edifícios modernistas ocupados em uma Paris futurista, e de pequenas histórias engraçadas com os moradores da cidade e do estilo de vida urbano.
O espectador não tem outra escolha a não ser aproveitar o passeio através do tempo e espaço, juntamente com um homem mudo, e se perder observando as pessoas e seus hábitos que apresentam-se através de salas de concreto abertas, enquanto se sentem tão perdidos quanto ele neste futuro peculiar.
Blade Runner – Blade Runner, o Caçador de Andróides (1982)
Los Angeles, ano de 2019, quatro réplicas eletricamente projetadas chamadas de Nexus 6 escapam do ”não-mundo”, o local onde trabalham e residem, a fim de entrar na Terra e encontrar o seu criador. Blade Runner, um agente da polícia, deve encontrar e acabar com as réplicas rebeldes antes de se aposentar.
Riddley Scott introduz o espectador a um futuro distópico de uma metrópole caindo em decadência. A névoa cobre o sol. Os edifícios altos deixam os ambientes escuros e sem alma. A chuva ácida constantemente acontece. Apenas as luzes de néon dos outdoors da cidade e as máquinas trazem luzes ao filme.
Influenciado por Metropolis de Fritz Lang, “Blade Runner” retrata um futuro horrível de uma cidade pós-moderna, pós-industrial. O Tyrell Corp assemelha-se a Torre de Babel de Metropolis, dominando a cidade escura. Claramente influenciado pelos templos maias e arranha-céus modernos, com aço e vidro no exterior.
Ao contrário de outras cidades futuristas de filmes que aparecem arrumadas, limpas e bem definidas através da sua automatização, a LA futurista de “Blade Runner” retrata um caótico, futuro escuro, em decadência. As classes superiores abandonaram a terra e apenas os cast-offs da sociedade ainda a habitam. Os grandes edifícios foram construídos e depois abandonados à ferrugem e decadência.
Ao contrário dos arranha-céus e da rápida evolução dos carros e máquinas, os interiores parecem empoeirados e velhos com mobiliário convencional. A escuridão, essência do filme, é algo que prevalece, assim como o abandono e a morte lenta da humanidade e do capitalismo. Simultaneamente, o filme faz uma ponte entre a relação dos seres humanos e seus ciborgues, e da evolução urbana e social da humanidade.
Brazil (1985)
Brazil, um filme de Terry Gilliam é uma ficção científica distópica feita em 1985. Mal sabia ele que a maioria de suas previsões se tornaria realidade nos próximos anos. Neste filme, Sam Lawry, um funcionário de baixo nível do governo, diversas vezes sonha em salvar uma donzela em perigo. Um dia, uma tarefa é atribuída à ele por um erro de digitação, e lentamente se perde na burocracia da sociedade ao tentar salvar a garota de seus sonhos. No universo de Gilliam, é fácil se perder entre a realidade e os sonhos.
Embora o filme seja cômico e sarcástico, ele acaba sendo um pesadelo futurista com referências de Kafka. Gilliam espera uma falha tecnológica e burocrática, criando um universo pós-moderno cômico onde nada realmente funciona, e todos os seus heróis acabando se decepcionando, perdidos na tradução entre eles e o sistema.
No aspecto espacial, Gilliam vê o mundo futuro de uma forma diferente de outros diretores. Ele não prevê uma evolução arquitetônica, mas se influência a partir do contemporâneo. Apenas no edifício público do “Ministério da Informação”, ele usa brutalismo para reforçar um sentimento assustador, majestoso e caótico. Seu mundo perturbador de máquinas disfuncionais e destruição sócio-econômica é um ambiente completamente caótico, sem identidade arquitetônica específica.
No entanto, a cenografia sempre visa a criação de certos sentimentos para o espectador, como o sentimento de decadência e desconstrução completa. É realmente interessante como ele usa seus sets para criar sentimentos diferentes em diferentes pontos do filme, confundindo e ao mesmo tempo engajando sua audiência. Esse futuro estranho de noções espaciais indefinidas fica preso no reino entre os sonhos, pesadelos e a realidade, ao representar o caos completo da melhor maneira possível.
The Grand Budapest Hotel – O Grande Hotel Budapeste (2014)
Este filme conta a história do “Grand Budapest Hotel” que se encontra em uma gloriosa montanha no estado europeu, República da Zubrowka. Narrando as aventuras de Gustave H. e Zero Moustafa, o menino do lobby que se torna seu amigo mais confiável.
Com o enredo cômico, envolvente e os quadros esteticamente requintados de Wes Anderson, este filme é tão agradável aos olhos quanto para a alma. O espectador fica fascinado pelas cores vivas, pela alegria de todos e por cada quadro, que capta o espaço de uma forma única e inovadora.
O que se pode dizer sobre Wes Anderson é que ele possui uma forma extremamente original de construção dos seus quadros. Ele faz uso de elementos de simetria e centralização em cada um dos seus quadros como um arquiteto, o qual realiza muito além de seu serviço, e ainda o realiza cuidadosamente. Seu estilo conta com detalhes excessivos e com um toque de ”nada é por acaso”. Além disso, ele dirige os movimentos da câmera dentro do ambiente de uma maneira tão incrível e cuidadosa, que o espectador é confrontado com uma ampla perspectiva dos espaços apresentados.
Não há nenhum outro diretor que use imagens e jogos que se assemelhem a seções e planos, de tal forma. Embora, seus filmes não ofereçam interpretações espaciais ou alguma abordagem inovadora para o futuro da arquitetura, a percepção do espaço e da estética incrivelmente coloridas de seus quadros simétricos centrados definitivamente valem a pena a menção.
E você, adicionaria mais algum filme sobre arquitetura nessa lista? Comenta aí 😉
Fonte: Taste of Cinema
1 comentário
Sensacional! Parabéns!